CHROMAESTHESIA

EXPOSITION ÉPHÉMÈRE D'ARTS PSYCHÉDÉLIQUES
du 8 au 11 mai 2019
église du mile-end (5035 St-Dominique, Montréal)

 

La chromasthésie est une condition dans laquelle les perceptions sensorielles sont involontairement unifiées, en particulier dans la perception des couleurs et des motifs basés sur la musique. En intégrant les arts visuels dans le cadre d'un festival de musique, nous cherchons à enrichir l'expérience sensorielle globale et à imbriquer la relation entre le visuel et le son. Afin d'unifier ces sens, les participants ont été stratégiquement choisis, car chaque artiste individuel apporte une expérience visuelle puissante qui complémente le paysage psychédélique global du Distorsion Psych Fest.


ARTISTES VISUELS

SÉLECTIONNÉS PAR Brooke Rutner


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ALEXANDRA MACKENZIE

Alexandra Mackenzie est aussi connue pour sa musique sous le nom de Petra Glynt, une artiste pluridisciplinaire vivant à Montréal. Née à Ottawa, elle a étudié à l'Ontario College of Art and Design University de Toronto, où elle a obtenu son baccalauréat en beaux-arts en mai 2011 avec une concentration en gravure. Après sa formation de chanteuse d'opéra, elle a commencé à jouer de la batterie dans des groupes au milieu des années 2000, ce qui a nourri son amour pour le DIY. Alors qu'elle était à l'école, elle a commencé à sérigraphier de la marchandise et des affiches de groupes et s'est aventurée dans le dessin. Plus récemment, elle a introduit la peinture dans sa pratique.

Depuis l'obtention de son diplôme universitaire, Mackenzie a présenté trois expositions individuelles et un certain nombre d'expositions collectives dignes de mention, dont The Drake Hotel's Dream Catchers à Toronto, Grimes and Friends à l'Audio Visual Arts Gallery de New York, et When The Institute Fell Over à Cambridge, Ontario. Son dernier travail vise à apporter une couche supplémentaire de complexité à sa pratique d'écriture de chansons par le biais de dessins, d'illustrations, de peintures et de vidéos.


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Benoît Erwann Boucherot

Né en 1976, Benoît Erwann Boucherot vit et travaille entre Paris et Montréal. Après des études supérieures d’art audiovisuel en France, il ouvre son premier atelier de peinture photographique en 1999 à Paris et commence à exposer en 2001. Pendant plus de 10 ans, il voyage avec ses caméras Leica en Inde, en Asie du Sud-Est, en Europe et aux États-Unis. En 2013, après avoir vécu au Maroc et en Espagne, il regagne Paris, cesse les prises de vues et commence à archiver son fond photographique en vue de l’utiliser comme base pour ses futures peintures et dessins. Il a exposé en France, aux États-Unis, au Mexique, à Montréal, et sera exposera prochainement à Tanger au Maroc. Il expose à l’UNEQ de janvier à juin 2019.

Il est également réalisateur et chef monteur de reportages sociaux et d’émissions culturelles pour des chaînes de télévision européennes, et professeur de journalisme.


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CHRIS DYER'S POSITIVE CREATION

Originaire du Pérou, Dyer s'installe au Canada pour étudier l'art pendant de nombreuses années, ce qui le mène à devenir l'une des figures de proue de la scène nord-américaine de l'art visionnaire. L'art de Dyer reflète sa quête personnelle d'une conscience élevée à travers des expériences de vie naturelles et l'introspection. Dyer expose, joue et enseigne son art dans le monde entier. En expérimentant avec différents styles, médiums et sujets, toutes les œuvres sont unies par le thème sous-jacent de l'unité spirituelle de l'humanité et plus encore.


 


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Eric BRAUN

Eric Braun est un artiste pluridisciplinaire basé à Montréal. Travaillant principalement avec la peinture, l'imagerie surréaliste de Braun est une exploration de l'inconscient.


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HEIDI TAILLEFER

L'œuvre de Taillefer est en accord avec les surréalistes du début du XXe siècle tels que Max Ernst, Paul Delvaux et Giorgio de Chirico, sources d'influence pour l'art de Salvador Dali, auquel on compare souvent l'œuvre de Taillefer. Il s'agit d'une fusion créative originale de la peinture figurative classique, du surréalisme, du réalisme contemporain et de la mythologie combinée à des traditions figuratives populaires allant du romantisme victorien à la science-fiction.

La caractéristique de l'œuvre de Taillefer qui l'ancre fermement dans un contexte plus contemporain est sa représentation de l'hybridation croissante de la technologie et de l'humanité, dans laquelle elle dépeint des constructions mécaniques.

L'approche de Taillefer est d'infuser des aspects primordiaux de la condition humaine dans des représentations hybrides d'humains et d'animaux, et cherche à rappeler au spectateur la nature inéluctable de notre être malgré notre fusion croissante avec la technologie. Il remet en question les notions de vérité spirituelle et de morale dans le contexte d'une explosion technologique, et s'interroge sur ce que deviennent la spiritualité et l'humanité face à une révolution technologique.


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JULIA BASLYK

Julian Baslyk est né et a grandi à Montréal. Il a commencé à créer des œuvres d'art abstraites et colorées dès son plus jeune âge. Il a étudié dans de nombreuses institutions dont les beaux-arts au Collège Dawson, la peinture et le dessin à l'Université Concordia et la peinture au Musée des beaux-arts de Montréal. Cependant, Julian se considère comme un autodidacte.


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LAUREN PELC-MCARTHUR

Le travail de Lauren Pelc-McArthur est une réflexion sur l'interconnectivité à la fois technologique et organique, et sur son potentiel de création et d'annihilation. Les systèmes et les relations micro-macro peuplent son travail. Les peintures provoquent des effets optiques grâce à la fluorescence, au rythme et aux motifs à haut chromatisme. La surcharge visuelle, les tropes de science-fiction et les épaves psychédéliques sont tous véhiculés par l'esthétique de l'écran dans les peintures de Pelc-McArthur pour construire des espaces imaginaires dans des états en mouvance. Pelc-McArthur a participé à des résidences et des expositions aux Pays-Bas, en Espagne et aux États-Unis. Elle a été mise en nomination pour le Prix RBC de peinture 2018. Elle poursuit actuellement une maîtrise en beaux-arts à l'Université Concordia à Montréal.



ARTISTES NUMÉRIQUES

CURATED BY VALENTINE HINFRAY


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ALEX CÔTÉ

Artiste international et photographe émergent, Alex Côté crée une imagerie contemporaine du corps, du paysage et du plastique qui se déploie avec méditation, contemplation et conscience collective. Son travail cherche à éveiller l'âme primitive, les racines terrestres et le lien spirituel qui lie les humains à la nature, tout en sollicitant les sens du spectateur et en créant une esthétique sacrée avec les interprètes. Au fil des ateliers, des résidences, des festivals et des expositions, le processus créatif d'Alex Côté a évolué dans les domaines du théâtre, de la performance, de la photographie, de la vidéo, de la cartographie et de l'installation, ainsi que du "land art" et du "site-specific".


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CHARLINE DALLY

Charline Dally utilise la vidéo et l’image de synthèse de manière à bousculer les habitudes perceptives. Par le biais d’images ambiguës, de spatialités paradoxales ou d’altérations temporelles, elle maintient un état d’attention accrue. L’accent mis sur l’expérience est une manière de faire prendre conscience au spectateur de sa nature de sujet témoin. Le projet "fossiles possibles" installe une ambiguïté entre le réel et le virtuel, entre la réalité 'objective' et les phénomènes perceptifs. L'altération de la perception tente de révéler le prisme à travers lequel la réalité est perçue.


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FVCKRENDER

Fvckrender, artiste techno-numérique futuriste de Montréal, est autodidacte. Avec une affinité déterminante pour la géométrie architecturale précise, les paysages futuristes rayonnants et les arrangements cristallins brillants, ses interprétations visuelles rendent un hommage sombre à ce qui pourrait refléter notre existence même.


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Mishka Kornai, Odette Mattha & LUKE ORLANDO

Mishka Kornai est une artiste et cinéaste qui se consacre à l'exploration de l'infrastructure de la relation humaine. Élevé par deux linguistes informaticiens, il s'intéresse à l'art et à la technologie depuis son enfance. Son premier documentaire, Growth, a été présenté en première à SXSW en 2015, et son plus récent court-métrage, POCKET, a été salué par la critique il y a deux semaines seulement. Il a cofondé le collectif de cinéastes PICKPOCKET, basé à Los Angeles, et son studio THEIA est basé à Berlin, en Allemagne.

Odette Mattha est une chef décoratrice et costumière basée à Los Angeles, Californie. Originaire de Sydney, en Australie, elle a passé plusieurs années à voyager en Amérique du Nord et au Canada pour travailler sur des court-métrages, des publicités et des vidéoclips.

Luke Orlando est né à Toronto, a grandi à Philadelphie, s'est découvert à Montréal, et fait maintenant des films et prend des photos à Los Angeles. Dans l'ensemble, la principale mission de Luc est de capturer et de créer des œuvres qui favorisent l'empathie et la catharsis, que ce soit par des récits traditionnels ou des spectacles plus abstraits. Il est guidé par l'idée que les médias visuels peuvent communiquer ce qui ne peut être dit et ainsi démanteler notre anxiété de révéler l'être humain derrière l'être social.


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OTTOMATA

Ottomata est un collectif technologique qui œuvre à briser la limite entre l’imagination et le réel. Il invite l’humain à se faire une place aux côtés du numérique dans des créations in situ  qui questionnent la perception de l’espace. S’articulant autour des arts numérique et interactifs, leur approche déborde vers la scénographie et le contenu vivant.